Michelangelo Buonarroti nasceva il 6 marzo 1475 a Caprese presso Arezzo,

da una famiglia fiorentina, che riportò dopo pochi giorni il bambino a Firenze.
Nel 1487, a 12 anni, Michelangelo entrò come apprendista nella bottega del celebre pittore Domenico Ghirlandaio.

Nel 1488 fu invitato ad entrare come discepolo nel Giardino di San Marco di Firenze, dove Lorenzo dei Medici il Magnifico teneva la sua collezione di sculture antiche. Lorenzo il Magnifico ne percepì subito il talento, e nel 1490 lo portò a vivere nel suo vicino Palazzo dei Medici,

dove viveva e mangiava a tavola con lui e con i più importanti filosofi umanistici del Rinascimento. Conobbe quindi i più importanti protagonisti della famiglia Medici, come Giovanni figlio di Lorenzo il Magnifico che divenne il Papa Leone X, e il figlio di Giuliano dei Medici (fratello di Lorenzo il Magnifico) Giulio che divenne il Papa Clemente VII.

Fu in questo periodo che per la lite con un altro discepolo del Giardino di San Marco, Pietro Torrigiano, ebbe il naso rotto. Michelangelo era così amato da Lorenzo il Magnifico, che fece esiliare il Torrigiano da Firenze.

Le prime sue opere, eseguite tra il 1491 e il 1492, quando Michelangelo aveva 15 anni ed era ancora studente nel Giardino di San Marco, sono la Madonna della Scala

bassorilievo in cui riprende da Donatello la tecnica scultorea dello “stiacciato” grazie al quale riesce a rendere magistralmente la profondità dei piani della scala in pochi millimetri di spazio; in quest’opera scolpisce il Bambino con una forte e perfetta anatomia, in una posa contorta e visto di spalle; e la Battaglia dei Centauri

ad altorilievo, ispirandosi ai sarcofagi romani di cui enfatizza l’inestricabile groviglio dei corpi.
Entrambe le opere sono custodite nella Casa Buonarroti di Firenze.

A causa dei rivolgimenti politici avvenuti nella città di Firenze dopo la morte di Lorenzo il Magnifico, nel 1494 Michelangelo fu scacciato dalla città e si rifugiò a Bologna, dove scolpì per l’Arca di San Domenico conservata nella chiesa di San Domenico a Bologna: San Procolo

soldato romano cristiano martirizzato, con tunica, alti calzari e mantello dei soldati antichi, con espressione fiera ed accigliata; Angelo reggi candelabro inginocchiato,

inginocchiato, figura compatta, dalle forti masse, lontana dagli esili angeli tipici del primo Rinascimento; San Petronio (già iniziata in precedenza da Niccolò dell’ Arca), a cui Michelangelo apportò forza ed eleganza tipiche del suo stile scultoreo.

Nel 1496 Michelangelo, quando aveva 21 anni, fu invitato a Roma dal Cardinale Raffaele Riario nipote di Papa Sisto IV, dove rimase fino al 1501.
Appena arrivato iniziò a scolpire il Bacco,

giovane dio pagano che barcolla ebbro con in mano la coppa del vino mentre dietro di lui, di nascosto, un piccolo satiro mangia la sua uva. L’opera è esposta al Museo Nazionale del Bargello di Firenze.

Nel 1497 iniziò la Pietà,

l’ unica opera in cui, ancora ventiduenne, appose la sua firma nella fascia della Madonna. E’ considerata uno dei suoi più grandi capolavori, e uno dei massimi capolavori della scultura di tutti i tempi. Si trova nella Basilica di San Pietro in Vaticano.

A Roma aveva conosciuto un importante cardinale della importante famiglia Piccolomini della città di Siena in Toscana, divenuto poi Papa Pio III, e nel 1501 Michelangelo tornò a Firenze portando con sé la commissione che aveva avuto dal Cardinale per ornare l’ altare della Cappella Piccolomini che la sua famiglia aveva nel Duomo di Siena; dette così inizio alla scolpitura San Paolo, San Pietro , San Pio e San Gregorio che terminò nel 1504, tutte opere ancora poste nell’ altare Piccolomini nel Duomo di Siena.

A Firenze ricevette anche nel 1501 la commissione da parte dell’Opera del Duomo della città di eseguire il colossale David

da porre su uno dei contrafforti esterni della zona absidale del Duomo. Per Michelangelo si trattava di una difficile sfida; li fu affidato infatti un norme blocco di marmo già sbozzato in precedenza da altri scultori. Ma Michelangelo riuscì perfettamente nell’ opera terminandola 3 anni dopo. Il suo David fu così ammirato da essere posto nella Piazza davanti al Palazzo della Signoria.
Michelangelo ha scolpito un giovane nudo dall’ atteggiamento tranquillo nonostante la sfida a cui era stato chiamato, pronto però alla reazione, simbolo della Democrazia che uccide il Tiranno Golia.

Negli stessi tre anni dal 1501 al 1504 Michelangelo scolpì anche la Madonna con Bambino o detta Madonna di Bruges

per il mercante fiammingo Mouscron,
il Tondo Pitti dove S. Giovannino è appena accennato sullo sfondo in contrapposizione alla Madonna che fuoriesce tanto da avere la testa che supera la cornice.

Tra il 1504 e il 1506 Michelangelo eseguì il Tondo Taddei dove le figure emergono dallo sfondo con S. Giovannino che mostra un cardellino, simbolo della passione, e che spaventa il Bambino Gesù che prevede il suo tragico destino.

Nel 1503 venne eletto papa Giuliano della Rovere col nome di Giulio II, che iniziò un programma di rivalutazione e abbellimento della città di Roma e si circondò dei più grandi artisti del Rinascimento come Bramante, Raffaello, etc. Fu Bramante che parlò al Papa delle grandi doti e della genialità del fiorentino Michelangelo Buonarroti.
Nel 1505 Giulio II lo chiamò a Roma per progettare e realizzare una sua gigantesca tomba da sistemare all’ interno della Basilica di S. Pietro in Vaticano in fase di costruzione. Dopo due mesi Michelangelo gli presentò il disegno entusiasmando il Papa che gli dette un acconto e lo mandò a alle cave di Carrara per scegliere e acquistare l’ enorme quantità di marmi necessari. La tomba, alta 8 metri, doveva avere circa 40 grandi statue.

Ma nel 1506, dopo che Michelangelo aveva fatto trasportare i blocchi di marmo a Roma, Giulio II perse interesse al progetto e face pagare a Michelangelo il costo dei marmi. Offeso mortalmente, Michelangelo tornò di nascosto a Firenze, dove iniziò a scolpire altri lavori, come il S. Matteo commissionatogli dall’ Opera del Duomo di Firenze, che però non terminò.

Si tratta della figura di Gesù in piedi, risorto, con un corpo potente ma in una posa di morbida torsione che regge la croce e tiene con la sinistra il suo sudario. Si trova a Roma nella basilica di Santa Maria sopra Minerva.

Alla morte di Giulio II nel 1513 gli eredi chiesero a Michelangelo un nuovo più piccolo progetto per la tomba del papa; Michelangelo accettò, ma il progetto subì continui ridimensionamenti nel 1513, nel 1516, nel 1526, nel 1532 e nel 1542.
Quando era in vita Giulio II, nel primo grandioso progetto erano stati previsti, alla base della tomba, venti “Prigioni” (chiamati poi Schiavi) via via ridotti nei progetti successivi a dodici, poi a otto, poi a quattro, e poi eliminati del tutto. Prima dell’ eliminazione dal progetto di queste statue, Michelangelo ne aveva scolpite sei, di cui due a Roma e quattro a Firenze:

nel 1513 lo Schiavo Morente,

per cui si era ispirato alla statuaria ellenistica del Niobe Morente presente alla Galleria degli Uffizi di Firenze; anche in un soggetto drammatico e potente come questo il corpo e il volto risultano eleganti, come se si trattasse di un possente ballerino;

nello stesso anno eseguì lo Schiavo Ribelle,

ispirandosi anche per questo all’arte ellenistica del gruppo del Laocoonte presente al Museo Vaticano di Roma; il personaggio è reso con una forte e tesa torsione che anima il massiccio corpo.
Entrambi i prigioni sono esposti al Museo del Louvre a Parigi.

Gli altri quattro Prigioni, detti “Fiorentini” furono scolpiti da Michelangelo negli anni ’20 del ‘500, durante la sua permanenza a Firenze per il progetto e la realizzazione, mai avvenuta, della nuova facciata della chiesa di San Lorenzo. Alla morte del maestro nel 1564 erano ancora nella sua bottega in via Mozza a Firenze quando il nipote Leonardo Buonarroti li donò al Granduca Cosimo I dei Medici che li incastonò nella grotta del Buontalenti nel cortile di Palazzo Pitti. Sono conservati alla Galleria dell’ Accademia di Firenze:

lo Schiavo che si desta

è una massiccia figura maschile che contorcendosi sembra fuoriuscire dal marmo da cui cerca di liberare gamba e braccio destro, dando all’ opera una speciale e primordiale forza e dinamicità;

lo Schiavo Atlante

che sostiene il blocco di marmo non ancora scolpito della testa. Nelle possenti braccia e nelle grosse gambe divaricate cui tutti i muscoli sono tesi nel sostenere il gravoso peso;

lo Schiavo Barbuto

è il più completo dei quattro, la particolare posizione del braccio destro che sorregge la testa e la gamba destra piegata creano anche in questo Prigione una dinamicità meno disperata di quella degli altri Prigioni;

lo Schiavo Giovane

ha le gambe piegate nello sforzo di liberarsi dal marmo, e in questo tentativo titanico si protegge la testa e la faccia col braccio sinistro.

Sempre per la tomba di Giulio II Michelangelo nel 1513-1515 aveva scolpito lo straordinario Mosè seduto.

Nel 1542, 25 anni dopo l’esecuzione dell’opera, Michelangelo decise di girare la testa del profeta, dovendo così creare una torsione dinamica di tutta l’opera cambiando anche la posizioni di un ginocchio, e dando una strana forma alla barba che Mosè sorregge tirandola a destra. Le tavole della legge si sono rovesciate scivolando dalle sue braccia.

Nel 1532 Michelangelo scolpiva il Genio della Vittoria;

sembrerebbe anche questo essere stato scolpito per la tomba di Giulio II. Rimasto nella bottega di via Mozza alla sua partenza per Roma nel 1534 fu donato dal nipote Leonardo Buonarroti al granduca Cosimo I che lo pose nel Salone dei Cinquecento in Palazzo Vecchio a Firenze. Come i Prigioni il gruppo presenta la torsione del corpo e l’anatomia vigorosa. E corona di foglie di quercia allude ai Della Rovere famiglia di Papa Giulio II. La scultura rappresenta lo stato del vincitore che domina lo sconfitto tenendolo sottomesso con agilità, con una gamba che gli blocca il corpo ripiegato e incatenato. Il giovane che rappresenta il genio è bello ed elegante, mentre il dominato è vecchio e barbuto, con un fisico flaccido e un’espressione rassegnata. Anche le superfici sono trattate in maniera diversa per esaltare espressivamente il contrasto tra le due figure: il giovane levigato alla perfezione (forse avrebbe le fattezze di Tommaso de’ Cavalieri suo intimo amico di Roma), il vecchio ruvido e incompleto, per lasciare il ricordo della pesante pietra di cui è fatto.

Finalmente l’ultimo progetto della tomba di Giulio II concordato con gli eredi fu eretto, ma non nella basilica di San Pietro in Vaticano ma nella chiesa di San Pietro in Vincoli a Roma. Si tratta di una facciata a due piani con solo tre statue di mano del Maestro: il Mosè e le figure bibliche di Rachele e Lia:
Rachele è completamente coperta da un lungo e aderente abito che le copre anche la testa, prega con gli occhi rivolti al cielo con una leggera torsione del corpo che accompagna lievemente la torsione del vicino Mosè. Rappresenta la Vita Contemplativa.

Lia è in veste di matrona romana che ha in mano uno specchio o un diadema sotto il quale c’ è la lunga coda di capelli. Rappresenta la Vita Attiva.

La Sacrestia Nuova

Giovanni, figlio di Lorenzo dei Medici il Magnifico, alla morte di Papa Giulio II nel 1513, venne eletto col nome di Papa Leone X.
Nel 1516 morì Giuliano, l’altro figlio di Lorenzo dei Medici il Magnifico, che era stato eletto Duca di Nemours, e nel 1519 morì anche Lorenzo, suo nipote, eletto Duca di Urbino. Il Papa Leone X chiese a Michelangelo la creazione di una grande cappella funebre nel complesso della chiesa di San Lorenzo a Firenze, chiamata poi Sacrestia Nuova, dove porre anche le future sepolture del padre Lorenzo dei Medici il Magnifico e dello zio Giovanni dei Medici.
Michelangelo iniziò il lavoro che alla morte di Leone X nel 1521 fu confermata dal nuovo Papa Clemente VII cugino del defunto Leone X eletto nel 1513.
Nel 1524 Michelangelo stava finendo la creazione dei modelli in creta, e all’arrivo dei marmi dalle cave di Carrara scolpì 4 figure tra cui la Notte e l’Aurora. Nel 1527 per motivi politici Michelangelo fermò il lavoro e nel 1530 fu costretto a fuggire da Firenze dove ritornò nel 1531 continuando la grande opera.

Il progetto di Michelangelo che venne scelto fu quello con tombe singole per i Duchi nelle pareti laterali e doppie per i Magnifici sulla parete opposta all’altare

Per la tomba di Giuliano dei Medici duca di Nemours ha scolpito il Giorno e la Notte e il ritratto a figura intera:

il Giorno

posto a destra sulla tomba di Giuliano, iniziato nel 1526 e consegnato nel 1534 non finito, è rappresentato come un possente uomo semidisteso sula base curva in simmetria con la vicina Notte. Michelangelo si ispirò ad alcune sculture romane classiche, al Torso del Belvedere che conosceva bene, e si ricordò anche della posizione del Bambino Gesù nella suo bassorilievo della Madonna della Scala. Il gomito sinistro è piegato in appoggio mentre il braccio dietro è piegato all’ indietro come se cercasse qualcosa. Il corpo è ruotato verso la parete mentre la testa e le gambe ruotano in senso opposto verso lo spettatore, creando una speciale tensione emotiva e misteriosa confermata dal volto barbuto appena abbozzato.

La Notte

posta a sinistra sulla tomba di Giuliano è rappresentata da una forte donna anche questa semidistesa sula base curva, così come anche l’ Aurora e il Crepuscolo, con la gamba sinistra piegata; la testa reclinata nel sonno retta dal braccio destro appoggiato alla coscia sinistra e il braccio sinistro piegato dietro la schiena costringono il busto ad una torsione verso chi guarda.
Suoi attributi sono la notturna civetta, i frutti del papavero il cui estratto provoca il sonno, la maschera simbolo del sogno.

Il Ritratto di Giuliano

fu iniziato nel 1526 e finito nel 1534 da Giovanni Angelo Montorsoli. E’ il ritratto del giovane Duca con capo riccioluto e col lunghissimo collo, vestito da generale romano in atteggiamento fiero (opposto all’ atteggiamento penoso di Lorenzo Duca d’ Urbino), con l’ armatura aderente come una seconda pelle), con in mano il bastone del comando.
Per la tomba di Lorenzo Duca d’ Urbino ha scolpito l’ Aurora e il Crepuscolo e il ritratto a figura intera:

l’ Aurora

posta destra sulla tomba di Lorenzo, iniziata nel 1524 e finita nel 1527, è anch’ essa rappresentata da una figura femminile semidistesa di ispirazione romana classica, con un velo sulla testa che cerca col braccio, sinistro mentre si sta svegliando girandosi verso chi guarda.

Il Crepuscolo

posta a sinistra sulla tomba di Lorenzo, iniziata nel 1524 ma nel 1534 ancora non finita è rappresentato come un possente uomo semidisteso sula base curva, appoggiato sul braccio sinistro e con le gambe accavallate, col braccio destro adagiato sulla coscia regge il velo e la testa che guarda indietro e in basso. La posa della figura è rilassata.

Il Ritratto di Lorenzo (Il Pensatore)

fu scolpito da Michelangelo ma terminato nel 1534 da Giovanni Angelo Montorsoli. E’ il ritratto del giovane Duca morto a 37 anni seduto, rappresentato come un generale romano, nella celebre posa pensosa e malinconica; la corazza aderisce al corpo come una seconda pelle; le decorazioni dell’ elmo sono opera del Montorsoli. La mano destra appoggiata sul dorso all’ infuori sulla gamba alluse all’ abbandono nel sonno o nella morte; il dito indice sulla bocca rimanda al silenzio.

Sulla tomba di Lorenzo dei Medici il Magnifico e di Giuliano dei Medici suo fratello solamente la Madonna Medici è di mano di Michelangelo:

la Madonna Medici

fu la prima scultura che Michelangelo iniziò nel 1521 per la Sacrestia Nuova ma ancora in lavorazione nel 1534 quando Michelangelo lasciò Firenze.
Ci sono alcune somiglianze compositive tra questa scultura e il bassorilievo della Madonna della Scala eseguita da Michelangelo nel 1492 a 15 anni d’ età, come la Madonna seduta su un blocco di marmo, la posa del Bambino Gesù che con una forte torsione si presenta di spalle nascondendo il volto; la torsione del bambino e le gambe intrecciate della Madonna creano un forte dinamismo bilanciato dalla testa della Vergine, come nel Genio della Vittoria.

Alla fine degli anni ’40 del ‘500 Michelangelo iniziò a scolpire un’ altra Pietà, la Pietà Bandini

avrebbe voluto destinarla alla sua tomba nella basilica di Santa Maria Maggiore a Roma, tant’ è vero che nel volto di Nicodemo ha modellato il suo autoritratto. Uso per questa opera uno dei blocchi di marmo acquistati per la tomba di Giulio II. Volle provare in seguito a cambiare la posizione delle gambe di Cristo, ma una vena del marmo ne causò la rottura. In preda ad una furiosa crisi depressiva Michelangelo la prese a martellate sul gomito, sul petto, sulla spalla di Gesù, sulla mano della Madonna, dove si vedono ancora oggi le rotture; staccò del tutto la gamba sinistra di Gesù che doveva accavallarsi su quella di Maria e che andò persa.
Nonostante il cattivo stato dell’ opera, questa fu acquistata nel 1561 da Francesco Bandini che tentò di terminarla. Nel 1674 venne venduta al Granduca Cosimo III dei Medici che la collocò nel Duomo di Firenze e dal 1981 è conservata al Museo dell’ Opera del Duomo di Firenze.
L’ opera ha un andamento piramidale dove il corpo di Cristo che scivola verso il basso, con le sue linee oblique ne è il fuoco.

L’ ultima opera a cui lavorò Michelangelo è la Pietà Rondanini

iniziata nel 1552-53 e rilavorata dal Maestro più volte dal 1555 al 1564, anno della sua morte. Probabilmente avrebbe dovuto sostituire sulla sua tomba la precedente Pietà Bandini. L’ opera, benché non finita, ha una grandissima forza e modernità, e precorre di quattrocento anni una parte della scultura moderna del ‘900. Venne acquistata nel ‘700 dal marchese Rondanini, e nel 1952 dal Comune di Milano dove è esposta al Castello Sforzesco.

Lo scultore Belloni nacque nel 1882 a Montevideo in Uruguay, da madre spagnola e da padre nativo di Lugano, che era emigrato a Montevideo in cerca di lavoro. Nel 1890 i genitori si separarono, la madre rimase a Montevideo mentre il padre ritornò col figlio a Lugano, che qui frequentò la Scuola Cantonale d’Arte.
Tornò quindi in Uruguay dove nel 1899 ottenne una borsa di studio per la scultura, ma successivamente ripartì per Europa dove a Monaco frequentò l’Accademia di Belle Arti, facendosi conoscere per le sue opere in gran parte d’ Europa; insegnò anche disegno professionale in Ticino, Svizzera.

Allo scadere della borsa di studio ritornò a Montevideo dove insegnò al Circulo de Fomento de Bellas Artes divenendone poi nel 1914 direttore.

Purtroppo l’archivio della Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli è andato perso nell’alluvione di Firenze del 1966. Nessun documento è rimasto, salvo poche fotografie.
Quella della “Carreta” è l’unica opera antecedente al 1966 eseguita dalla Fonderia Ferdinando Marinelli di cui esistono ancora i documenti (contratti, lettere, etc.) originali dell’epoca, grazie all’Archivio di Josè Belloni a Montevideo, da cui i documenti ed alcune foto sono stati tratti per questo Articolo.

Sembra che lo scultore Belloni, nella campagna intorno a Montevideo in Uruguay, abbia visto passare al tramonto una tradizionale “carreta”, se ne sia innamorato, ed abbia quindi fatto delle ricerche su questo vecchio tipo di mezzo di trasporto in uso dall’Ottocento nella parte orientale dell’Uruguay.
Le “carrete” erano carri costruiti completamente in legno, senza chiodi di metallo, coperti in alto da un tetto di tela grossolana e pelle di cavallo. Venivano verniciati con colori vivaci. Nel loro cammino creavano carovane di molti carri trainati da paia di bovi che riuscivano a farle transitare, molto lentamente, in terreni estremamente impervi. Trasportavano, oltre che le persone, pelli ed altre merci fino a Montevideo, dove venivano caricate su navi in partenza per l’Europa.

Al loro fianco cavalcavano i “gauchos” incitando e guidando i bovi.
Quando la carovana si fermava per la notte, i carri diventavano il riparo dove i viaggiatori dormivano: con la bella stagione sotto di essi stesi su pelli dentro i loro ponchi, d’inverno dentro il carro.

Belloni iniziò ad eseguire, come di regola, una serie di schizzi per rendersi conto e studiare le dimensioni e le proporzioni del monumento, seguendo i quali modellò un bozzetto provvisorio che poi modificò perfezionandolo e ottenendo il primo bozzetto tridimensionale in gesso completo dei dettagli.

Eseguite anche a questo le modifiche necessarie, creò il bozzetto in gesso definitivo.

Fu a questo punto che prese contatto con chi avrebbe eseguito l’ingrandimento del suo bozzetto e con chi, una volta ingrandito, l’avrebbe fuso in bronzo in grandezza originale.
Grazie all’interessamento dell’allora Console dell’Uruguay in Italia, Gilberto Fraschetti, il Belloni venne nell’ agosto 1938 in Italia per parlare del progetto a Ferdinando Marinelli Sr., proprietario della fonderia omonima.
Dopo essersi convinto della capacità lavorativa e la qualità delle fusioni della Fonderia Marinelli di Firenze, fu stabilito che l’ingrandimento sarebbe stato eseguito in fonderia sotto il controllo dello scultore Sirio Tofanari, ben conosciuto dal Marinelli.

Le norme per l’ingrandimento vennero scritte nel successivo contratto d’appalto dell’intero processo alla Fonderia Ferdinando Marinelli, firmato nel gennaio 1930, come si legge nel particolare ingrandito della seconda pagina di tale contratto: per ottenere il modello in creta della “Carreta” nella grandezza originale il Belloni richiedeva l’ingrandimento “ai punti” tramite pantografo da farsi all’interno della Fonderia; da quanto scritto appare anche il modello che inviava in Fonderia era grande la metà dell’originale, andava cioè raddoppiato.

Dal contratto tra il Belloni e la Fonderia Ferdinando Marinelli del 2 gennaio 1930, di 11 pagine (di cui si riportano la prima e l’ ultima pagina) si ricavano alcune interessanti notizie:

la lega di bronzo doveva essere composta dal 90% di rame e il 10% di stagno; anche oggi la Fonderia Ferdinando Marinelli adopra tale lega, ma nell’ anteguerra il bronzo statuario era composto anche da altri metalli, quale il piombo e in piccola parte anche zinco, quindi la richiesta del Belloni anticipava i tempi, benché tale lega fosse più cara di quella normale;
ed inoltre richiedeva dopo le fusioni l’analisi chimica del bronzo per assicurarsi sulla composizione della lega richiesta;

sia i bovi che il cavallo dovevano venir fusi in un unico pezzo, cosa molto difficile date le dimensioni; ancora oggi si tende a fondere pezzi di medie dimensioni per avere una resa migliore. Incredibile che il risultato sia stato perfetto per tutti i bovi e il cavallo, come mi è stato raccontato anni fa da “Brunino”, il più vecchio operaio che aveva partecipato a tali fusioni;

Ma la cosa ancora più incredibile è che il monumento in bronzo, ingrandimento e trasporto a Montevideo compreso, doveva essere finito e montato a Montevideo entro e non oltre 7 mesi dalla data della firma del contratto, con penale di 100 Lire per ogni giorno di ritardo.

Il compenso per tutte le operazioni, compresa l’ esecuzione del modello ingrandito e la spedizione a Montevideo venne stabilito in 320.000 Lire.
In data 4 gennaio 1930 Marinelli inviava una lettera di ringraziamento al Belloni.

Le analisi della lega di bronzo furono eseguite dalla Fonderia del Pignone, risultando la lega perfettamente in sintonia da quanto richiesto dal Belloni e scritto sul contratto.

Alcune foto della “Carreta”

Medaglia commemorativa coniata per l’inaugurazione del Monumento

Immagini della “Caretta” al giorno d’oggi

Il Servizio Postale dello Stato Italiano, ha considerato la Galleria d’Arte Pietro Bazzanti e Figlio di Firenze un’Istituzione di grande importanza mondiale.
Nel mese di Marzo del 2022 sono venuti a trovarci in Galleria dei Tecnici del Poligrafico dello Stato, sezione Poste e Telegrafi, per un colloquio col proprietario Ferdinando Marinelli e per visitare la Galleria. Sono tornati per chiedere l’autorizzazione del progetto che ci hanno descritto: la creazione di un annullo postale ufficiale da apporre sui francobolli di due cartoline postali illustrate su cui stampare dettagli di sculture presenti nella Galleria, evidenziando il duecentesimo anniversario.

La Galleria Bazzanti è stata aperta nel 1822, e quindi in quest’anno 2022 cade il duecentesimo anniversario della sua fondazione.
Come immagini sono state scelti due dettagli di importanti opere presenti nella Galleria: la testa della Ballerina mani ai fianchi del Canova, il cui originale si trova al Museo Ermitage di Sanpietroburgo, e un particolare del Tritone in bronzo, opera dello scultore Sergio Benvenuti.

La seconda guerra mondiale dette inizio ad un periodo di grande difficoltà che non risparmiò nemmeno la Galleria Pietro Bazzanti.
Nessuna schiarita appariva all’ orizzonte quando nel 1960 la Galleria passò alla famiglia Marinelli, proprietari fin dal 1905 della Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli di Firenze. La nuova gestione seppe sfruttare gli anni della ripresa economica riaprendo anche il proprio studio di scultura, e dando maggior vigore alla sua frequentatissima Fonderia.
Per la storica Galleria tutto questo significò un nuovo corso, segnato da una direzione più manageriale in grado di controllare con maggior rigore la qualità artistica delle opere e di organizzare un’ assistenza più capillare nell’ esportazione.
Oltre ai modelli ottocenteschi di gesso ereditati dalla vecchia proprietà, si aggiunsero quelli della gipsoteca della Fonderia, calchi tutti eseguiti sugli originali da Ferdinando Marinelli Sr. creatore della omonima Fonderia, eseguiti negli anni ’30 del ‘900.
Il già appetibile catalogo della galleria Bazzanti si è accresciuto di una vasta e qualificatissima collezione di bronzi, nota in tutto il mondo sin dai primi anni del ‘900.
Nel 1976 le redini della Galleria e della Fonderia sono passate nelle mani di Ferdinando Marinelli Jr., che ancora oggi alimenta le due anime della Bazzanti: quella dei marmi scolpiti nel proprio studio, e quella dei bronzi fusi in Fonderia con le antiche rinascimentali tecniche della fusione a cera persa apprese dal nonno Ferdinando Marinelli Sr.

Lady Mary Wortley Pierrepont, moglie dell’ambasciatore inglese a Istambul Lord Montague, nel1714 si ammalò di vaiolo, riuscendo a guarire.

Aveva seguito il marito in Turchia, dove aveva visto alcune donne infettare loro stesse e i figli con il siero di pustole vaiolose. Questi si ammalavano molto lievemente, e diventavano però immuni al vaiolo.
La Lady, di idee moderniste, non esitò a inoculare la malattia ai suoi figli, con ottimi risultati, e cercò di pubblicizzare il metodo in Inghilterra, ma trovò forte resistenza tra i medici e gli ecclesiastici. Ma in molte parti d’Europa questa sua tecnica venne accettata, si vaccinarono infatti i sovrani di Danimarca e di Svezia, i duchi di Parma e di Toscana e la zarina Caterina II.
Ma ci si accorse che una piccola percentuale dei vaccinati prendeva in maniera grave il vaiolo, e ne moriva.

Edward Jenner (1749 – 1823) in gioventù venne contagiato dal vaiolo, che superò, ma che lo segnò profondamente. Infatti a causa di questa malattia non fu accetto all’università di Oxford, dove avrebbe voluto frequentare i corsi di Medicina.

Riuscì a diventare alunno e aiuto di un medico di campagna, il dottor Ludlow, che gli insegnò la professione. Andò poi a Londra dove frequentò l’ospedale sotto la guida del Dott. Hunter.
Jenner vide che i contadini che mungevano le vacche che avevano preso il vaiolo vaccino, diverso da quello umano, si ammalavano, ma non in modo letale. E fece questo esperimento: prese del siero da una malata di vaiolo vaccino e lo inoculò in un bambino che si ammalò leggermente; poco dopo gli inoculò siero di vaiolo umano, e il bambino non si ammalò. Scoprì così che il vaiolo vaccino immunizzava dal vaiolo umano senza dare sintomi gravi o mortali.
Jenner pubblicò questi suoi risultati e nonostante le forti opposizioni mediche e religiose, questa pratica fu seguita in gran parte di Europa. Nel 1803 fu aperto a Londra il Jenner Institute.

Lo scultore piemontese Giulio Monteverde

nel 1873 modellò la scultura “Jenner inocula il vaccino del vaiolo al figlio” che vinse la medaglia d’oro all’Esposizione Universale di Vienna creandone una copia in bronzo ed una in marmo. È un’importante e bellissima opera che mostra Jenner mentre, concentrato sulla responsabilità che si prende, inocula il vaccino antivaioloso su un bambino.

Il Dr. David B. Agus M.D. del “Lawrence J. Ellison Institute for Transformative Medicine of USC” di Los Angeles, ha chiesto alla Fonderia Ferdinando Marinelli di Firenze di poter avere due copie in bronzo della scultura tratte dall’ originale, e quindi di scoprire dove trovare l’ originale in gesso dell’ autore da cui trarre tali copie.

Si è scoperto che il modello originale di gesso è conservato presso la Galleria di Arte Moderna di Genova insieme ad un originale di marmo.

La Fonderia ha ottenuto dalla dottoressa Francesca Serrati direttrice del Museo di permettere agli incaricati del Lawrence J. Ellison Institute for Transformative Medicine of USC di eseguire il calco dell’ opera e di crearne il modello in grandezza naturale.

Il fedelissimo modello è stato consegnato alla Fonderia Ferdinando Marinelli, che ha iniziato la lavorazione per la fusione a cera persa in bronzo di due repliche della scultura.

Gli anni ’40 del ‘400 sono quelli in cui Donatello realizza le sue più importanti e più grandi opere di bronzo, in ognuna delle quali continua a far apparire, in un modo o nell’altro, i suoi deliziosi putti.
Nel celebre David bronzeo (Mus. del Bargello, Firenze) scolpisce sull’ elmo della testa di Golia ai suoi piedi una bassorilievo decorativo in cui compare una scena con una serie di putti.

Il significato di questa scena è stato molto discusso, dato che la spada di David vuole indicare proprio il piccolo bassorilievo che quindi probabilmente indica la “morale” dell’ intera scultura. Vi è rappresentato un carro trainato da due putti alati e nudi; sul carro è intronata una figura senza ali che riceve regali da altri due putti alati; dietro il trono appare un personaggio nudo e grasso senza ali che ha dietro, ai piedi, un’ anfora. La scena sembra tratta da un’ antica gemma romana, probabilmente della collezione dei Medici; è molto probabile che la figura seduta sia Bacco accompagnato da Sileno, e che il putto alato gli stia offrendo una coppa di vino. Essendo sull’ elmo di Golia, potrebbe essere la rappresentazione dell’ incontinenza, superbia e arroganza, vizi associati a Golia (e ai tirannici nemici di Firenze) vinti dalla virtù del David (la città di Firenze).

Attis
E’ una statua di bronzo a tutto tondo, alta circa 104 centimetri. Anche se con vari attributi, si tratta di un putto in piedi, ed è la prima volta che nel Rinascimento il putto è scolpito a tutto tondo in queste dimensioni, senza essere un personaggio accessorio o di secondo piano. E’ assolutamente in stile classico pagano, tanto che nel XVII secolo venne preso per un opera romana antica. Oltre che bellissimo, è anche enigmatico, non esiste nell’antichità nessun essere con le sue fattezze e i suoi attributi: sembra che Donatello abbia inventato un nuovo tipo di creatura. E’ in piedi, in un rilassato chiasmo, con entrambe le braccia sollevate.
Si guarda gioiosamente la mano sinistra in cui il pollice e il medio sono chiusi, probabilmente teneva in mano qualcosa che è andato perso; ha i capelli arruffati legati da un cordino che gli regge un fiore in fronte, porta un cinturone in vita con scolpiti delle capsule di papaveri che sostiene una specie di calza-pantaloni che lasciano scoperti e in evidenza le natiche e i genitali; ai piedi ha due tozzi e indefiniti paia di ali, indossa dei sandali con cui calpesta un serpente. Sulle spalle ha due bellissime ali, e all’ inizio dei glutei una piccola coda.

In antico sono esistiti putti in piedi con capelli simili e con simile posa. Ma non hanno le ali ai piedi, né cintura con calze, né coda, né serpenti da calpestare. Donatello ha voluto trasformare il prototipo di putto classico in qualcosa con un ben preciso significato.
Su questo significato si sono scontrati vari studiosi: per Edgard Wind (Misteri pagani del Rinascimento, Adelphi, Milano 1985) è una creazione neo platonica polimorfa, con volto e ali di Eros, che possiede la coda di Pan, i pantaloni di Attis,

la cintura di Hypnos, le ali ai piedi di Mercurio. Per Erwin Panofsky (Rinascimento e rinascenze nell’ arte occidentale, Feltrinelli, Milano 2009, p. 198 nota 14) si tratta dell’ allegoria del Tempo che tira i dadi; e infatti la coda di Pan è il simbolo dell’ associazione di Pan con l’ universo del quale il Tempo ha in mano il fato. Le ali sulle spalle e ai piedi, ed il serpente, sono simboli del Tempo. I pantaloni barbarici sono quelli di Aion, il demone del tempo di origine iraniana. I papaveri della cintura, emblemi del sonno e della morte, rappresentano la sua doppia natura di creatore e distruttore. E l’ oggetto mancante che probabilmente aveva tra le dita era appunto un dado. Il Tempo è un distruttore che gioca a dadi con l’ umanità, il nostro destino è nelle sue mani.
Un frammento di Eraclio rinvenuto nella “Refutatio omnium haeresium” (libro IX, cap. 3 e 4) di Ippolito di Roma dove il Demone del Tempo è appunto definito come un frivolo bambino che gioca d’ azzardo. E questa frase è presente anche in dei carmi (Carmina LXXXXV) del bizantino Gergorio Nazanzieno. Quando Lorenzo il Magnifico riuscì nel 1349 a portare il Concilio tra la chiesa Romana e quella d’ oriente a Firenze, l’ imperatore di Bisanzio Giovanni VIII Paleologo e la sua numerosa corte.

potrebbero aver portato all’ attenzione degli umanisti fiorentini il frammento di Eraclio in continua ricerca di testi greci classici, e poi fatta trasferire sull’ opera di Donatello, come spesso accadeva nelle botteghe degli artisti del Rinascimento.
Di questo capolavoro donatelliano non conosciamo né la data di esecuzione, che viene comunque ipotizzata alla metà del ‘400, né il committente, con qualche probabilità la famiglia Medici, o forse i Bartolini Salimbeni.
Un’altro putto proveniente dalla bottega di Donatello è quello in bronzo del Metropolitan Museum di New York.

Ha degli stilemi che ricordano molto quelli di Donatello, per esempio la pancia arrotondata sporgente come nell’ Attis, il movimento uguale a quello dei putti sul battistero di Siena, il movimento dei capelli, ed ha alcuni attributi dell’ Attis donatelliano: lo stesso tipo di attacco delle ali e le piume tra di esse sulla schiena, una strana coda pelosa, le ali ai piedi.
E’ nato come putto da fontana non sappiamo né quando, ma si può ipotizzare intorno alla metà del ‘400, nè per chi è stato eseguito. Come l’ Attis, è uno dei primi due putti come personaggio in piedi a tutto tondo.
Altri due putti bronzei magnifici, in passato attribuiti a Luca della Robbia, sono quelli del Museo Jacquemart Andre a Parigi, ma ormai sono da tempo attribuiti a Donatello e sono datati intorno al 1440.

Sono due portaceri, molto probabilmente eseguiti da Donatello per la Cantoria del Duomo, dove stavano seduti sui due angoli. Come l’ Attis, hanno capelli mossi legati con un filo decorato con foglie che regge lo stesso fiore dell’ Attis sulla fronte. Anche le ali sono simili a quelle dell’ Attis, con la parte centrale della schiena coperta di piume,

anche l’espressione del volto è similissima a quella dell’ Attis.

Dopo l’inaugurazione della Fontana dei due Oceani, i contatti tra Dudi e Pat Bowlen con Ferdinando Marinelli e Benvenuti si attenuarono, ognuno preso dal proprio lavoro; si limitarono agli auguri e ai saluti per le feste di fine anno.
Molto tempo dopo, un pomeriggio Franco Barducci direttore della Galleria Bazzanti ricevette una telefonata: era Dudi Berretti che cercava Ferdinando Marinelli.
Come per incanto gli anni passati sparirono, le voci al telefono rinsaldarono in un attimo la vecchia amicizia. Ancora una volta Dudi Berretti, incaricato da Pat Bowlen di interessarsi alla realizzazione di un grande monumento per il costruendo nuovo stadio di football di Denver per la squadra dei Broncos, di cui Bowlen era presidente,

si rivolse al binomio Ferdinando Marinelli-Sergio Benvenuti. Le telefonate tra noi tre si susseguirono insieme ai fax, scambi di disegni, schizzi, appunti. I disegni dei progetti del nuovo stadio prevedevano intorno ad esso un terrapieno che Dudi voleva coperto d’erba, arbusti, alberi, con vari cavalli di bronzo al pascolo. Fu allora che Pat Bowlen decise di regalare ai cittadini di Denver un monumento dal forte contenuto simbolico: un gruppo di sette cavalli che risalissero il terrapieno presso la scala d’ ingresso del nuovo stadio. I cavalli dovevano essere sette perché questo è stato il numero del campione della squadra dei Broncos, John Elway, (ed anche il numero fortunato nella vita di Dudi Berretti).
Su invito della “Stadium Management Co. Denver Broncos” volai insieme a Sergio Benvenuti a Denver per presentare il progetto allo Stadium Management e alle varie commissioni artistiche del District. Il monumento ricevette la piena approvazione ed il plauso di tutti. Al ritorno a Firenze Benvenuti si mise immediatamente al lavoro eseguendo i modelli da 1/5 della grandezza della scultura finale. Poco tempo dopo Dudi Beretti insieme all’ architetto paesaggista Lanson Nichols vennero a Firenze per vedere i modelli e per discutere con noi la miglior ambientazione del fondo su cui sarebbero stati fatti correre i sette cavalli.

A tavola, come si sa, si discuteva meglio

Nei locali della Fonderia Marinelli, Benvenuti iniziò l’ingrandimento del primo cavallo, proseguendo poi con gli altri sei.

Appena un cavallo era portato alle dimensioni richieste, veniva fatto in fonderia il calco e poi la cera che veniva subito ritoccata e poi portata alle successive fasi necessarie alla fusione in bronzo.

Alcuni mesi più tardi Dudi Berretti accompagnò degli incaricati della Studium Management Co. Denver Broncos, che in Fonderia controllarono con soddisfazione l’ avanzamento dei lavori.

Vennero fatte conoscere loro anche le specialità della cucina toscana.

Le fusioni procedevano,

e mentre i primi quattro cavalli di bronzo erano sulla nave diretti al porto di Huston e di lì a Denver, lo stesso Pat Bowlen venne a Firenze a riscontrare Sergio Benvenuti ed a visionare gli ultimi tre cavalli, che lo impressionarono favorevolmente.

I sette cavalli erano già a Denver quando insieme al Benvenuti arrivammo anche noi a Denver per indirizzare il montaggio della grande fontana.

Il lavoro di piazzamento e montaggio è durato alcuni giorni,

fino all’ inaugurazione ufficiale. È stata una magnifica esperienza.

I calchi negativi eseguiti sulle sculture da fondere in bronzo, vengono usati per ottenere una cera positiva della scultura stessa, dello stesso spessore che dovrà avere il bronzo.

La cera così ottenuta viene ritoccata, vengono cioè tolte le eventuali imperfezioni,

Fino a renderla perfetta e pronta per essere inglobata in una rete tridimensionale di colate,

e quindi ricoperta da un materiale refrattario chiamato loto.

La forma di loto contenente la cera viene fatta cuocere in fornace per più giorni

La cottura fa sciogliere e bruciare la cera contenuta nelle forme di loto, lasciandovi dentro l’intercapedine vuota con la forma della cera bruciata.

Dopo la cottura le forme di loto vengono messe in una buca nel terreno.

Si procede ora alla fusione del bronzo,

E alla gettata del bronzo fuso dentro le forme di loto;

Il bronzo così prende il posto della cera; le forme vengono rotte per estrarre le fusioni di bronzo

Le fusioni vengono liberate dalle colate e sabbiate per pulirle dagli avanzi di loto.

Le fusioni vengono ora nettate e cesellate,

e successivamente rimontate a freddo e poi saldate.

L’ ultima fase è la patinatura della scultura: si tratta di ossidare la superficie del bronzo nella stesso modo in cui, negli anni, farebbe l’ atmosfera, ma molto più rapidamente

La tecnica della fusione a cera persa è rimasta per secoli uguale a se stessa. Oggi ci si avvale, ovviamente, del metano invece che del carbone per i forni fusori e per le fornaci per la cottura della forme di loto, di utensili elettrici come paranchi, gru, muletti, etc. che permettono la movimentazione di parti pesanti, una volta fatta completamente a mano.
Gli unici cambiamenti relativi ai materiali sono stati la sostituzione della gelatina organica per eseguire i calchi negativi con la gomma siliconica, e la sostituzione della cera d’ api, oggi carissima, con la paraffina.
Anche la saldatura del bronzo non è più a fiamma ossiacetilenica ma avviene con saldatrici elettriche in atmosfera di argon.

L’arredo di giardini, parchi, interni di ville ed hotels è uno dei frequenti lavori della Galleria Bazzanti. I nostri architetti progettano gli arredi su richiesta del cliente, oppure collaborano con l’ architetto che il cliente ha già.
Un caso tipico è quello dell’ Hotel Bellagio di Las Vegas, in cui la Galleria Bazzanti ha collaborato con l’ architetto Roger Thomas alla progettazione e alla realizzazione dei giardini dell’ Hotel, costruendo una serie di accessori d’ arredamento in pietra e in marmo.
L’ architetto ci ha fatto delle richieste di accessori lasciando alla Galleria Bazzanti la scelta dei modelli e delle parti scultoree. Sono stati eseguiti dei disegni preparatori da mostrare all’ architetto che, dopo l’ approvazione, sono serviti alla realizzazione delle opere: diversi modelli di vasi, contenitori, obelischi, etc.

la grande fontana con inserzioni di marmo verde per una delle piscine,

vasi in marmo giallo Siena

ed altri arredi architettonici.

Uno dei materiali che l’architetto ha scelto è la “Pietra Leccese” che viene estratta nelle cave della regione salentina, nel su dell’Italia. La caratteristica di questa pietra è la non eccessiva durezza al momento dell’estrazione dalla cava ed è quindi più facilmente scolpibile rispetto ai marmi. Ma ha la proprietà di diventare col tempo sempre più dura per una reazione chimica con i gas dell’atmosfera.
E’ il materiale che è stato usato fin dal rinascimento per fontane e accessori da giardino, ma specialmente per le celebri facciate barocche delle chiese pugliesi.
Particolarmente delicata è stata la realizzazione della grande fontana di pietra. Date le dimensioni e i problemi di trasporto, abbiamo dovuto crearla in quattro spicchi assemblati sul posto. In alcune fontane sono stati applicati inserti di marmo verde.
Un altro materiale voluto dall’architetto è il marmo giallo di Siena, dal tipico colore giallo ambrato, estratto dalle cave della Montagnola Senese, nel comune di Sovicille, anche questo usato nell’antichità. Si presta molto bene ad essere lavorato e tornito per arredi architettonici.

La voglia e il piacere che Donatello ha nel creare i putti glieli fa apporre alla base della tomba del vescovo di Grosseto Giovanni Pecci nel duomo di Siena (1426). Sono scolpiti in basso, di scorcio, coperti dalla pergamena molto più grande di loro, che reggono. Si intravedono le teste e le braccia.

Ma non gli bastavano, e allora ha messo un putto seminascosto anche all’interno della spirale del bastone pastorale del vescovo.

In ogni opera successiva Donatello non rinuncia ai putti, quasi fossero ormai una sua firma: nel Festino di Erode (1435 ca.), bassorilievo in marmo al Musee Wicar di Lille, un bambino/putto mezzo nudo dormicchia seduto sulle scale,

nella tomba di Giovanni Crivelli del 1432, nella chiesa di Santa Maria Aracoeli a Roma, due putti volanti semivestiti reggono lo stemma della famiglia quasi a sostituire le vittorie alate dei monumenti romani,

Nella prima metà degli anni ’30 del ‘400 Donatello scolpisce l’ Annunciazione Cavalcanti in pietra serena lumeggiata d’ oro, ancora nella chiesa di S. Croce a Firenze, dove la famiglia Cavalcanti aveva una propria cappella (Ginevra Cavalcanti era moglie di Lorenzo de’ Medici il Vecchio, fratello di Cosimo de’ Medici il Vecchio). Oltre agli interessanti volti che appaiono in coppia sui due capitelli dei pilastri laterali, Donatello ha modellato e posto in alto 6 putti di terracotta alati e seminudi, lumeggiati d’ oro. Le espressioni delle coppie laterali sono giocose, leggermente impaurite, sorpresi dal miracolo che accade sotto i loro piedi. Sono spettatori esterni che non fanno parte della composizione. Richiamano anche il Bambino Gesù che è sta nascendo in quel momento nel grembo di Maria. E’ la prima volta che dei putti appaiono nella scena dell’ Annunciazione, rendendo peraltro più domestico il miracolo del concepimento grazie allo Spirito Santo./p>

Il filo nei capelli che regge un fiore sulla fronte del putto di sinistra è un elemento verrà ripetuto anche nell’ Attis di bronzo (Mus. Del Bargello).

Per la Basilica di San Pietro in Vaticano Donatello ha eseguito, negli anni ’30 del ‘400, il grande Tabernacolo del Sacramento Eucaristico (alto 228 centimetri), successivamente adoperato come contenitore di un dipinto della “Madonna della Febbre” col Bambino.

Per quanto ha potuto l’ha riempito di putti: in alto due putti alati tengono aperta la tenda dove compare un bassorilievo stiacciato della Deposizione. Ai loro lati altri due putti retrostanti hanno funzione di cariatidi. Sulla sommità del tabernacolo sono sdraiati in posa rilassata altri due putti. Ai lati del dipinto due gruppi di tre putti ciascuno, eseguito ad altorilievo, osservano quanto è contenuto nel tabernacolo sussurrando tra di loro. In basso, sulla base, quattro putti accoccolati in bassorilievo reggono il simbolo della passione di Cristo ed altre due semi-ruote laterali. Tutti i putti sono alati, vestiti in maniera classica; Donatello ha dato a quelli rivolti verso il tabernacolo freschezza, senso della fanciullezza, del gioco, della meraviglia. I putti Donatelliani, che prendono il posto degli angeli, sdrammatizzano sempre le scene sacre a cui assistono, attenuandone la ieraticità e rendendole domestiche.
Un cambio di passo avviene con la creazione di quel manufatto particolarissimo che è una delle due Cantorie del Duomo di Firenze (Ms. Opera del Duomo), terminata nel 1439.
In questo particolare monumento i putti alati non sono accessori o decorazioni di atre opere, ma sono l’opera stessa, gli unici protagonisti che creano l’ opera. Più di venticinque putti si muovono in un girotondo danzante con movimenti sfrenati, quasi dionisiaci, ed anche le espressioni dei volti confermano tale sensazione. In questo si diversificano dai putti della scultura antica. Quelli a destra giocano con corone vegetali, simbolo di vittoria del Cristianesimo sul paganesimo. Donatello ha creato un continuum di putti senza frammentare gli altorilievi in più pannelli, come nel caso della Cantoria di Luca della Robbia, ed ha posto questo unico lungo pannello dietro a una serie di cinque colonne binate che in qualche modo lo dividono, ma che danno anche un nuovo senso di spazio e profondità rispetto agli altorilievi classici. Nei riquadri di sinistra e di desta tra le quattro mensole Donatello pone dei putti speculari araldici che suonano i cembali e mangiano l’ uva prendendola da un vaso. Nella parte più bassa della Cantoria una striscia con teste di cherubini tra ghirlande.

Negli stessi anni in cui Donatello ha eseguito la Cantoria, ha lavorato anche al Pulpito di Prato. Il contratto di allogazione con Michelozzo (per l’ architettura del Pulpito) e Donatello (per la scultura) fu firmato nel 1428 e terminato nel 1438.
E’ costituito da 7 pannelli curvati di marmo con mosaico dorato come sfondo, in cui danzano i putti, come nella Cantoria con lo stesso atteggiamento da baccanale.

Un capitello di bronzo sostiene asimmetricamente l’ intero pulpito con un putto in alto che fuoriesce con difficoltà da sotto il peso che sostiene. In basso due putti bacchici sdraiati con pampini e uva tra i capelli guardano lontano. Al centro, tra le volute, altri cinque putti piccoli, in varie posizioni. Il capitello venne fuso a cera persa nel 1433, ma fu posto in opera solo nel 1438. E’ stato sicuramente fuso da Michelozzo, maestro fonditore, ma il modello è di Donatello.